El artículo que os traemos hoy, y avisamos por adelantado, quizás no os interese y más si lo máximo que leeis es el lateral de los tetra-bricks de leche y el reverso de las entradas de la discoteca. Habla de Jeff Noon, interesantísimo escritor inglés de la escuela post-moderna y de la ciencia ficción que, en sus libros, infiltra ideas y temas de la música electrónica y la cultura del éxtasis. Fue publicada en el especial de música y literatura de la revista Quimera de Noviembre del 2006.

Mañana literaria en Sufmart… Nada mejor que una buena lectura después de una resurreción, y más llevando una semana muertos.

Jeff Noon: la literatura como remix
Texto: Javier Blánquez

“Los realizadores de cine utilizan técnicas como el corte súbito de una escena a otra, el fotograma congelado y la acción a cámara lenta. Los músicos pueden remezclar, scratchear y samplear. ¿Por qué no podemos los escritores divertirnos también?”
Jeff Noon, “How to make a modern novel”, The Guardian, 10 de enero de 2001

1. Dub fiction: la escritura como una sesión de DJ
Si en vez de haberle dado de comer pasteles que hacen crecer o menguar Lewis Carroll hubiera alimentado a su Alicia a base de ácidos y hongos alucinógenos, quizá tendríamos al auténtico germen de la personalidad como escritor de Jeff Noon. Si Jorge Luis Borges se hubiera sentido más atraído por las posibilidades sonoras infinitas de la música experimental en vez de por las bibliotecas monstruosas y los libros imposibles, también podría haber sido este inglés, nacido en Manchester en 1957 y que pasa por ser uno de los autores que mejor han sabido renovar la literatura de ciencia ficción en los últimos años. Si William Gibson hubiera supuesto que su mundo del futuro, en vez de sostenerse sobre edificios de cristal y silicona, se sustentaría en sueños y pesadillas, en vez de “Neuromante” habría escrito “Vurt” (Mondadori, 1993-1999), primera novela y semilla del ideario posterior de un autor que se mueve como pez en el agua entre la post-modernidad, la fantasía onírica y los lenguajes del cine y la música electrónica.

Jeff Noon habla de su escritura en los términos de ‘dub fiction’, aludiendo al dub jamaicano, una técnica de producción surgida en los años setenta que está en el origen de las remezclas y de la manipulación de sonidos –en el caso de Noon, manipulación de palabras y conceptos– en el entorno controlado de un estudio de grabación, allí donde toda experimentación es posible. En una entrevista fechada en el año 2000 que realicé con Jeff Noon y que ha permanecido inédita hasta el momento, él mismo indicaba la influencia de la música electrónica en sus libros en los siguientes términos: “la música se ha apoderado de mi lenguaje. En mis últimos libros he estado experimentando en la aplicación de técnicas de la música de baile a la prosa. Remezclar palabras para luego manipularlas como un DJ hace scratch con un disco. Es lo que llamo ‘dub fiction’. […] Veo esta forma de trabajar como un camino hacia delante, como una forma de descubrir nuevas estructuras narrativas susceptibles de reflejar cómo es la vida en este nuevo siglo”.

De este modo, algunos de sus libros más famosos pueden ser descritos según el argot de la música dance, la experimentación de vanguardia o las técnicas de mezcla de los DJs. “Automated Alice” (1996) es un remix en toda regla de “Alicia en el país de las maravillas”: Noon recompone y reordena los elementos fundamentales del lenguaje, el argumento y los temas –sueño vs. realidad, argucias lógicas, éste y el otro mundo– del clásico de Lewis Carroll hasta hacer la obra como suya y propia, con una evidente reminiscencia del original pero sin renunciar a crear algo imaginativo e inédito a partir de materiales preexistentes, del mismo modo en que los libros de relatos “Pixel juice” (1998) y “Cobralingus” (2001) van más allá de la idea de ‘cut-up’ impulsada por William S. Burroughs y se convierten en manifiestos de literatura-sampling, es decir, construcción de textos a partir de la apropiación y manipulación de frases literales e incluso párrafos extraídos de otras obras y adaptados convenientemente al contexto de la narración de Noon.

En su juventud, Jeff Noon hizo sus pinitos en la música, mucho antes de dedicarse a escribir y cuando incluso el hecho de convertirse en novelista profesional no constaba en su agenda futura. Formó parte de un grupo olvidado y amateur nacido del marasmo post-punk que agitó a la ciudad de Manchester a principios de la década de los ochenta, Manicured Noise. Fue un escarceo de juventud que sin embargo dejó huella: fan de la música tanto como lo es de la literatura fantástica y de ciencia ficción, Noon ha enfocado su creatividad, no a construir fantasía alrededor de la música como tópico, sino a escribir según las normas narrativas de una canción o un track techno pensado para sonar a todo volumen en una rave, o como un remix de un éxito pop, e incluso según las pautas de la música experimental.

En un artículo publicado en el diario The Guardian en enero de 2001, titulado “How to make a modern novel” –“Cómo hacer una novela moderna”–, Noon exponía de manera práctica su relación y dependencia del lenguaje musical en estos términos:
“Mientras estoy escribiendo ésto, estoy escuchando ‘Decks, EFX & 909’, un CD del músico y DJ de techno Richie Hawtin. Mientras lo escucho, me vienen las ideas que podrían ser las líneas maestras de una novela post-futurista. Va así: el CD consiste en 38 piezas de música que suenan a partir de diferentes fuentes de emisión, del modo que pueden sonar dos o tres discos a la vez. […] Hawtin produce una narrativa musical coherente. Utilizo la palabra narrativa en su sentido literal: cualquiera que haya disfrutado de una buena sesión de DJ en un club puede atestiguar que hay una historia que se cuenta a través de la sucesión de la música. Con esto en mente, podríamos usar el CD de Richie Hawtin como el primer borrador para una novelan. Necesitaríamos crear 38 historias, que se irían entremezclando una con otra usando el diagrama del CD como guía. En cuanto una historia llega a su final, una nueva historia, o dos nuevas historias, se mezclan con ella. […] A veces, Hawtin vuelve al mismo disco una segunda vez, o incluso a un remix del mismo disco; podemos usar esta técnica para permitir que nuestras diferentes historias puedan reaparecer en diferentes lugares de la narración. Los efectos y los ritmos programados que añade el DJ podemos interpretarlos de maneras muy diferentes, según la imaginación de cada cual. No hay reglas, sólo oportunidades. Y por encima de todo, vale la pena imaginar el placer que podemos conseguir al seguir todas esas historias a través de la mezcla”.

Y añade: “los DJs de hip hop tienen una frase con la que describen el control de la mezcla a través de dos tocadiscos, su minuto a minuto y todos los detalles que se originan, frase fijada en el título de uno de los primeros temas de Gang Starr, ‘DJ Premier in Deep Concentración’ [“DJ Premier profundamente concentrado”]. La novela post-futurista debe emplear esa profunda concentración en el uso del lenguaje”.

2. Club Fiction: letras en (y sobre) la pista de baile
Aunque Jeff Noon nunca ha evitado hacer referencias a la música moderna en sus narraciones –localizaciones en discotecas, un grupo musical como protagonista, finas alusiones a artistas o discos–, es más el lenguaje de esa música moderna lo que le empuja a crear, mucho más que no el hecho de ‘escribir sobre techno, rock, etc.’. Sus orígenes, su ciudad de residencia hasta bien entrada la década de los noventa (Manchester) y sobre todo la publicación de la novela “La aguja en el surco” (Mondadori, 2000-2003), ayudaron a que a Jeff Noon se le incluyera tangencialmente, además de en la segunda generación de autores de ciencia ficción con trasfondo cyberpunk, en un efímero movimiento que se dio en Gran Bretaña en paralelo a la expansión del fenómeno cultural de las rave parties –fiestas de música electrónica de baile de carácter masivo y al aire libre– y que se conoció como Club Fiction.
La Club Fiction no era techno-literatura, sino literatura sobre el techno, el house, los clubes y demás fenómenos musicales y de ocio nocturno derivados del cambio de paradigma musical en el cambio de década de los ochenta a los noventa. Incluso Irvine Welsh, gracias a ciertos pasajes de “Trainspotting” y “The acid house”, fue vinculado de forma vaga a una corriente que si tiene un nombre clave sería el de la novelista y periodista Sarah Champion (“Disco biscuits”) y el de Nicholas Blincoe (“Noches de ácido”), más adelante ideólogo del movimiento austero y neo-realista de Los Nuevos Puritanos.

Las alusiones a las drogas, los discos y los sonidos del club son cosa de coyuntura, aspecto que Jeff Noon reconoce. “Cuando escribí ‘Vurt’ en 1993, el tema de las drogas en las calles de Manchester estaba muy en boga, en especial el uso del éxtasis en la escena de baile. Esta situación llevó a una guerra cruenta entre diferentes bandas de traficantes rivales, y murió mucha gente a causa de esta lucha por el control del negocio. Así que quise escribir un libro que capturara parte del estado de ánimo de ese momento y que fuera honesto sobre el problema. Una vez dicho esto, no veo ‘Vurt’ como un libro sobre drogas, sino más bien sobre la trascendencia. Trata sobre el escapismo, sí, pero también sobre la confrontación. […] Veo las drogas como una metáfora del cambio. […] Es un tema antiguo en la literatura inglesa, cómo el camino que lleva a la fantasía permite una apreciación mucho más honesta de la vida real”. Lo cual lleva a afirmar que sus temas, así como sus métodos, van más allá de la reducción simplista de reducir la acción a un tiempo, un lugar y unas formas de comportamiento, para atacar una literatura de ficción que aborda las grandes cuestiones sin por ello descuidar un formato ‘pop’ y una forma de presentar la escritura más cercana a lenguajes como el hip hop, el dub y el techno que no a las técnicas de Joyce.

3. Más allá del cut-up: sampling y remix en Jeff Noon
El antes citado cut-up de Burroughs, desarrollado precisamente en una trilogía de ciencia ficción con trasfondo distópico –por lo que no sería aventurado citar a “El tíquet que explotó”, “Expresso Nova” y “La máquina blanda” como un posible precedente de la sci-fi cyberpunk a la vez que una versión alucinada de la literatura de anticipación política de Orwell y Huxley–, era más una asociación libre de ideas y recorte aleatorio de citas capturadas en diferentes textos precedentes que lo que se entiende como ‘sampling’. El cut-up tiene más relación con la técnica pictórica y escultórica del collage –la suma de elementos fragmentarios que forman una totalidad de significado en la que las conexiones entre diferentes partes pueden ser o aleatorias o caprichosas o incluso premeditadas– que no con la de sampleo o apropiacionismo.

El ‘sampler’ –la traducción al castellano sería ‘muestreador’, pero el uso extendido en el lingo musical del original inglés ha anulado la versión romance– es una máquina con un pequeño ordenador incorporado que permite capturar cualquier sonido de la realidad, guardarlo en un disco duro y, desde ahí, modificarlo, reproducirlo o combinarlo con otros sonidos almacenados en el sampler. Un ejemplo perfecto de lo que sería música hecha con sampler podría ser el hip hop, donde los sonidos tomados para formar las bases rítmicas no son tocados por un músico o una banda, sino que son ‘robados’ o tomados prestado de otros discos: líneas de bajo, bombos, efectos, y todo ello posteriormente reordenado de una forma organizada, lógica y excitante. El sampler es un instrumento que permite posibilidades infinitas, puesto que es un radar de sonidos así como una red de pesca; cualquier sonido de la naturaleza o de una colección de discos puede ser susceptible de ser utilizado como ‘muestra’ y recontextualizado en una obra musical.
Este malabarismo que los DJs y los productores de música electrónica aplican al sonido, Jeff Noon lo hace con palabras. En un juego referencial –que, por otro lado, siempre ha estado presente en literatura–, Noon multiplica el cúmulo de alusiones hasta el punto en que a cada línea, más que la imaginación del autor, se le debería rastrear una referencia premeditada, un tema robado de otro lugar, una frase convenientemente reubicada o una palabra-maleta (la figura literaria lúdica popularizada por Lewis Carroll según la cual dos palabras distintas forman una sola que no sólo suma los dos significados previos, sino que añade un tercero de creación ad hoc) en su vasta colección de lecturas –ocasionales o en profundidad–, impulsos nerviosos recibidos a lo largo del día o recuerdos. Lo que en sí ya es la forma de trabajar propia del escritor –o, como decía Umberto Eco, un libro siempre está hecho a partir de otros libros–, en Jeff Noon es concienzudamente post-moderno.

Y de igual manera en que samplea, Noon también remezcla, reconstruye o altera. En la cultura de la música de baile, la remezcla es la reelaboración de una pieza preexistente a partir de nuevos materiales –nueva estructura rítmica, nueva melodía, nuevos adornos– que a la vez mantiene una fisonomía próxima a la del original, una versión libre y con ciertos elementos de funcionalidad que incide en la idea de que una obra siempre es abierta, nunca está acabada y siempre es dada a nuevas interpretaciones e incluso nuevos finales. Antes hemos hablado del remake de “Alice in Wonderland” que fue “Automated Alice” –una hipotética tercera parte de la fábula de Carroll en la que Alicia persigue a su papagayo a traves del mecanismo de un reloj y acaba dando en un mundo maravilloso que acaba convirtiéndose en Manchester en el cambio de siglo, una ciudad en la que los seres humanos están cruzados con objetos o animales y existen tres Alicias: la Alicia real, la Alicia literaria y una tercera Alicia ‘automatizada’, o la muñeca de Alicia convertida en robot–, pero la idea de remix en Jeff Noon va más allá de la recreación de otros libros. Consiste, sobre todo, en la alteración de las estructuras y la consecución de una ‘cultura líquida’.

Explica Noon: “suelo acudir mucho a la idea de ‘cultura líquida’. […] Consiste en la idea de que la linealidad se está desvaneciendo. Estamos, cada uno de nosotros en estos días, en el centro siempre cambiante de una red de conexiones. […] No es que esté especialmente a favor de la etiqueta ‘ciencia ficción’, ya que creo que sólo tomo algunos elementos del género; en cualquier caso, siento que la ciencia ficción es muy limitada, es un género conservador que intenta dar validez a un statu quo. Y he intentado romper con eso, abrir el género, permitir que entre una actitud contemporánea para que habite ahí. Podemos decir que remezclo la ciencia ficción. Mi trabajo es en su esencia de naturaleza fantástica, e imagino que debería estar más cerca del Realismo Mágico que de cualquier otra cosa. Yo lo llamaría ‘fantasía urbana’, por qué no”.

4. Techno-cultura: la ciencia ficción interior
La multirreferencialidad de los textos de Noon no sólo le hinca el diente a los usos de la narración moderna y las convenciones de algunos de los géneros mayores de la literatura popular –ciencia ficción, fantasía y novela lírica–, sino que alude de forma directa a elementos que, de una forma prosaica, están en el mismo corazón de la música electrónica que, como hemos visto, influye en su manera de trabajar, o en el uso social de esa misma música, como son las alusiones a las drogas.

En “Vurt”, el propio comienzo del libro ya implica connotaciones psicodélicas: “un chico se introduce una pluma en la boca…”. En el mundo del futuro, nos cuenta esta novela, existen las plumas Vurt. Una pluma Vurt, una vez depositada en la boca, permite viajar al planeta –o estado mental– Vurt, y según el tipo de pluma y su calidad se tendrá un viaje placentero o de pesadilla, y sólo unas cuantas plumas Vurt rarísimas y preciadas permiten llegar hasta el mismo fondo del misterio. Los personajes de la novela continuamente vienen y van del mundo de Vurt al mundo real, con un rescate de por medio. Ésto, que tanto tiene que ver con la ciencia ficción clásica, con el planeta prohibido, con el mundo imaginario y con los usos de la tecnología aplicada al placer, no es difícil de identificar con el consumo de drogas empato-psicodélicas. La pluma Vurt tanto puede ser el LSD –fuente de alucinaciones y trips mentales que pueden ser ‘buenos’ o ‘malos’– como la pastilla de éxtasis, que acentúa la empatía, la identificación emocional con otra persona: el protagonista sólo tiene plumas Vurt para ‘conectar’ con su hermana, atrapada en el corazón de ese mundo psicotrópico. En el fondo, sin embargo, todo eso no son más que mecanismos hábiles y atractivos para llevar al lector de viaje a un mundo de sueños. “Los sueños”, afirma Noon, “son un mecanismo de transformación de la vida real. ¿No sería posible que nuestra vida despiertos estuviera ahí sólo para alimentar nuestros sueños?”

Por otro lado, está la influencia directa de la música, de la música con nombres y apellidos. En el mismo pórtico de “La aguja en el surco” –entiéndase ‘surco’ por el ídem de un disco de vinilo, materia primera de trabajo del DJ–, Jeff Noon agradece la inspiración y el apoyo no a sus familiares y amigos, sino a periodistas musicales (Jon Savage), tiendas de discos (Picadilly Records y Pelicanneck Records) y aventureros del rock (Howard Devoto), pero sobre todo a artistas fundamentales de la música avantgarde y electrónica de los últimos treinta años: Autechre –célebre dúo de abstracción post-techno, autores de ritmos de carácter cubista–, Derek Bailey –el mayor exponente de la improvisación libre, fallecido en Barcelona este mismo año 2006–, DJ Premier –el mejor productor hip hop de los últimos quince años–, King Tubby –el inventor del dub–, Microstoria –experimentación a partir de sonidos y ritmos imperceptibles–, Plastikman –techno minimalista–, Evan Parker –jazz de vanguardia–, Pole –dub microscópico–, The Smiths –grupo cumbre del pop de los ochenta–, Sonic Youth –cima del noise-rock– y David Toop, teórico de la música ambient con el que Jeff Noon editaría un disco, su único disco, una lectura de pasajes precisamente de “La aguja en el surco” sobre colchones de música flotante.

Dentro del libro, las alusiones a la música –incluso con elementos sci-fi que superan la propia sensación futurista de cierta música electrónica– son constantes, desde lo más sutil a lo más evidente. Por ejemplo, el protagonista vive en el número 808 de la calle State –quien sepa de acid house podrá identificar al grupo de Manchester 808 State–, y la banda en la que los chicos tocan y ensayan bien podría una versión mejorada de Portishead, o Massive Attack. Normalmente, la ficción sobre música no ha funcionado en literatura. “La aguja en el surco” es un raro ejemplo en el que la novela brilla en su plano simbólico-lírico-escapista como en el más prosaico, el que nos dice que éste, en el fondo, y sólamente, es un libro sobre una banda de música, sus éxitos, sus influencias –hay flashbacks al sonido skiffle de los años cuarenta, al rock’n’roll, al primer punk-rock y finalmente a la era rave– sus conflictos internos y su fracaso.

5. Coda: lirismo
Pese a todo lo siniestro que se percibe en algunos de sus libros principales, especialmente en “Vurt” y su última novela de momento, “Falling out of cars” (2003), el retrato de un mundo futuro decadente, desencantado y más peligroso para el alma que para la vida, la obra de Noon está impregnada casi siempre de poesía, de lirismo y de esperanza. Es una belleza casi de tono romántico, que busca el atractivo de ciertas ambientaciones lúgubres. También es un lirismo textual, puesto que en ocasiones Noon pretente que su literatura sea música, que se lea a un ritmo definido y que incluso el texto sea como la letra de una canción. “La aguja en el surco”, por ejemplo, presenta las frases escritas como si fueran versos de una letra pop, separadas por barras y con capítulos que parecen centrar su clímax en forma de estribillo. Lo que cierra el círculo y presenta a Jeff Noon, no sólo como un experimentador, sino como un indagador que busca sentido en las palabras más allá del artificio, alguien que busca letras bellas. Lo resume –y con ésto concluimos– de la siguiente forma: “Sí, poesía. Un montón de poesía. ¡Que las páginas del libro canten! Juego con las palabras como si las amara. Me comprometo con ellas y no me avergüenzo. Ser lírico. […] Me temo que no puedo ser más preciso al respecto. Sólo quiero que cada página, cada párrafo, cada frase adquiera vida, toda la vida posible. ¡Dejadles que canten!”. Si esa es su intención última, no puede haber nada más musical.

El detonante de la creación de Beatport fue… un Final Scratch. Eloy Lopez, amigo del actual CEO de la compañia, Jonas Tempel, compró el revolucionario aparato de Stanton, pasó unos vinilos a su disco duro y le comentó a su amigo la posibilidad de vender los archivos ya preparados para mezclar en la red de redes.

En un primer momento, los dos amigos intentaron vender la idea a Apple. La compañia de la manzana rechazó la idea y semanas después lanzaba Itunes, en la que llevaba trabajando ya varios meses. Por suerte para la comunidad de djs, Jonas y Eloy no cejan en su empeño y fundan Beatport en Junio del 2003.

En Enero de 2004, la tienda online ve la luz con 79 sellos en su catálogo. Unos meses después, Beatport busca y encuentra colaboración en Native Instruments y tres djs de renombre, John Acquaviva, Richie Hawtin y Bad Boy Bill. Los dos primeros (dónde no estarán metidos estos), por su relación con Stanton y su Final Scratch; el tercero por su relación personal y de su manager con los fundadores.

Un año después del lanzamiento del sitio, llega Beatport 2.0, la segunda versión de la web que cuenta con grandes mejoras. Mientras, siguen creciendo las colaboraciones con clubs, djs, festivales y revistas por todo el mundo. En Agosto de 2006, se lanza Beatport 3.0. Con él llegamos hasta hoy, mes de su tercer aniversario.

Algunos datos curiosos:

- El día de su fundación, Beatport contaba con 79 sellos en su catálogo. Hoy cuenta con más de 3.000.

- Se añaden unos 100 sellos al mes.

- Beatport cuenta con más de 100.000 canciones en su base de datos. Cada semana se añaden más de 3.000 canciones.

- Su sede central está en Denver, pero tienen oficinas en Nueva York, Londres y Berlín. Además, este año añadirán una sucursal en Tokyo.

- Es requisito indispensable pertenecer a un sello para que un artista sea añadido al catálogo.

- Tracktor Dj Studio, uno de los programas lideres en el mercado de mezclas digitales para dj, lleva integrado un módulo de compra y preescucha del catálogo de Beatport.

- En 2006, Beatport anunció su descarga un millón.

Cabra (director’s cut). La cabra, en general, está de moda. Unos, influenciados por el satanismo o los textos de tradición oral africana de Blaise Cendrars, las sacrifican a Belcebú en gigantescos calderos hirvientes mientras arrojan muérdago y elitros de mosca a la sopa en la que bulle la pata de macho cabrío. Otros peregrinan a la localidad cordobesa del mismo nombre –patria de Manolo Lama y Txema Alguacil– en busca de mística y aventuras. Y luego hay quien samplea a la cabra para construir uno de los maxis más peculiares –aunque habría que decir subversivos además– de este 2006 que ya acaba. “Fizheuer Zieheuer” (Playhouse / Red, 2006) era a lo que estaba apuntando toda la carrera del chileno Ricardo Villalobos: un track en el que, por fin, se unieran minimal y minimalismo, dos familias musicales, una en el contexto dance popular, la otra en el de la música contemporánea de acceso fácil al público poco iniciado en sonidos experimentales y académicos, a las que les costaba encontrar un terreno en común.

Ya había avisado el autor de “Alcachofa” a finales del año pasado cuando publicó su white label “For disco only 2”, dos piezas larguísimas de lentos desarrollos microtonales en los que, justo en su centro, se sampleaban momentos de la banda sonora de “Koyaanisqatsi” del compositor neoyorquino Philip Glass. Ahí se demostraba que el interés de Villalobos por el avantgarde pop y la música contemporánea –otro de los puntales del excesivo y magistral doble 12” “Achso” en Cadenza, donde las alusiones a Morton Feldman y la escuela más radical del sonido microscópico tipo Richard Chartier no era precisamente gratuitas– no era una aproximación caprichosa, y “Fizheuer Zieheuer” lo atestigua. Este es el maxi de los records, ya que en total la pieza suma 37 minutos –del tirón en CD más el añadido de los 35 minutos de “Fizbeast” que llevan el total hasta una extenunates hora y cuarto; en vinilo el tema está dividido en dos partes y supera de largo la media hora–. 37 minutos de repetición insistente y variaciones fugaces al estilo de la escuela minimalista de los setenta, la de Steve Reich y LaMonte Young: aunque la ubicación final del track sea la pista de baile, generalmente al final de la noche, cuando todo el club está vencido, acabado y reclamando la hora, para así culminar una larga tanda de insomnio con un remate demoledor, descolocante y eufórico, la estructura y las pretensiones de “Fizheuer Zieheuer” conectan mejor aún con las de compositores de partitura y orquesta como Terry Riley o los citados Glass y Reich.

Al techno, la pieza de Villalobos es como el “Music for 18 musicians” de Steve Reich o el “Jesus blood never failed me yet” de Gavin Bryars –composiciones que, en su forma más larga, alcanzan los 68 y 75 minutos, respectivamente, de variaciones a partir de un par de ideas que se repiten con insistencia y, lo mejor de todo, sin cansar nunca. Villalobos se ha conformado sólo con 37 minutos de percusiones que mutan por efecto de los delays y los ecos, a las que se les añade alguna caja intermitente y que tienen como elemento unificador un sample como sólo al chileno se le pudiera haber ocurrido: una trompeta romaní que vuelve a airear la entrañable figura del gitano de la cabra con su escalerilla y el bote de los óbolos, todo ello apuntalado por un riff, el ya famoso pa-pa-pa-pá, que instaura no sólo el minimal cabra –homenaje necesario al dios Luis Lles– sino un órdago de atrevimiento freak a toda la escena techno-house actual. “Fizheuer Zieheuer” podría haber durado incluso más: esa es la idea del auténtico minimalismo académico, alterar por completo la percepción del tiempo. Puede que al final peque de excesivamente repetitiva porque, al fin y al cabo, su objetivo es el club, el after e Ibiza y ahí las leyes son diferentes a las de casa o una sala de conciertos, pero lo importante es que “Fizheuer Zieheuer” ya ha hecho historia. Javier Blánquez –Go Mag nº 73, diciembre 2006

Javier Blánquez, uno de los periodistas “menos respetados” de la música de baile, le queremos por uno de los mejores artículos que se han ofrecido este año bajo el título “los djs más fiesteros del planeta”, nos ha dejado su lista de lo mejor que ha podido escuchar en los doce últimos meses, discos internacionales, maxis, dj mixes y recopilaciones.

Discos internacionales
1- Burial: “Burial” (Hyperdub)
2- Various: “The world is gone” (XL)
3- Andy Stott: “Merciless” (Modern Love)
4- Boxcutter: “Oneiric” (Planet Mu)
5- Helios: “Eingya” (Type)
6- Kode 9 + The Spaceape: “Memories of the future” (Hyperdub)
7- Milanese: “Extend” (Planet Mu)
8- Kaito: “Hundred million light years” (Kompakt)
9- The Knife: “Silent shout” (Rabid)
10- Jóhann Jóhansson: “IBM 1401, a user’s manual” (4AD)

11- Max Richter: “Songs from before” (130701)
12- Kettel: “My dogan” (Sending Orbs)
13- John Tejada: “Cleaning sounds is a filthy business” (Palette)
14- Junior Boys: “So this is goodbye” (Domino)
15- Girl Talk: “Night ripper” (Illegal Art)
16- Arctic Hospital: “Citystream” (Narita)
17- Lady Sovereign: “Public warning” (Island-Def Jam)
18- Skream: “Skream!” (Tempa)
19- Holden: “The idiots are winning” (Border Community)
20- Tim Hecker: “Harmony in ultraviolet” (Kranky)
21- Taylor Deupree: “Northern” (12k)
22- Cursor Miner: “Danceflaw” (Lo Recordings)
23- Robert Henke: “Layering Buddha” (Imbalance)
24- Booka Shade: “Movements” (Get Physical)
25- Nathan Fake: “Drowning in a sea of love” (Border Community)
26- Loscil: “Plume” (Kranky)
27- Leama & Moor: “Common ground” (Lost Language)
28- Apparat & Ellen Allien: “Orchestra of bubbles” (Bpitch Control)
29- Crowdpleaser & St. Plomb: “2006” (Mental Groove)
30- Bugz In The Attic: “Back in the doghouse” (V2)
31- Matmos: “The rose has teeth in the mouth of a beast” (Matador)
32- Luomo: “Paper tigers” (Huume)
33- Markus Guentner: “Lovely society” (Ware)
34- Breakage: “This too shall pass” (Bassbin)
35- Alex Smoke: “Paradolia” (Soma)

Maxis
1- Henrik Schwarz / Âme / Dixon: “Where we at Ep” (Innervisions)
2- Ricardo Villalobos: “Fizheuer zieheuer” (Playhouse)
3- Skream: “Skreamizm vol. 1 & 2” (Tempa)
4- Monolake: “Alaska melting” / “Alaska remixes” (Monolake)
5- Cobblestone Jazz: “India in me” (Wagon Repair)
6- Booka Shade: “In white rooms” (Get Physical)
7- Lazy Fat People: “Big city / Dark water” (Border Community)
8- Goldfrapp: “Ride a white horse (Ewan Pearson disco odyssey parts 1 + 2” (Mute)
9- Sascha Funke: “In between days” (Bpitch Control)
10- Nathan Fake: “Drowning in a sea or remixes” (Border Community)
11- Varios: “Lifeworks vol. 1” (Open Mind)
12- Delia Gonzalez & Gavin Russom: “Relevee” (DFA)
13- Martin Buttrich: “Full clip / Programmer” (Planet E)
14- Sleeparchive: “Radio transmission Ep” (Sleeparchive)
15- The Field: “Sun & ice” (Kompakt)
16- Brtschitsch: “Twirl / Under” (Ostgut Ton)
17- Arctic Hospital: “Metropolis love” (Narita)
18- Petter: “Some polyphony” (Border Community)
19- Depeche Mode: “The darkest star (James Holden remixes)” (Mute)
20- Deadbeat: “Version immersion” (~scape)
21- Audion: “Mouth to mouth” (Spectral Sound)
22- Rhythm & Sound: “See mi jah (remixes #4)” (Burial Mix)
23- Modeselektor: “Hello mom! The remixes” (Bpitch Control)
24- Ryuichi Sakamoto & Alva Noto: “Revep” (Raster Noton)
25- Stephan Bodzin: “Kerosene” / “Valentine” (Herzblut)
26- Redshape: “Telephunk” (Styrax Leaves)
27- Gabriel Ananda: “Ananda’s bassmaschinchen parts 1 & 2” (Treibstoff)
28- Radio Slave: “My bleep” (Rekids)
29- Anja Schneider & Sebo K: “Side leaps / Rancho relaxo (remixes)” (Mobilee)
30- E.R.P. / Mariel Ito: “Split 2” (Ai Records)

DJ mixes
1- James Holden: “At the controls” (Resist)
2- Kode9: “Dubstep allstars vol. 3. Mixed by Kode9” (Tempa)
3- DJ Maxximus: “Bass the world” (MG77)
4- Miss Kittin: “A Bugged Out mix” (Resist)
5- Hatcha & Youngsta: “Dubstep allstars vol 4. Mixed by Hatcha & Youngsta” (Tempa)
6- Cassy: “Panorama Bar 01” (Ostgut Ton)
7- Magda: “She’s a dancing machine” (M_nus)
8- Global Communication: “Fabric 26” (Fabric)
9- Kiki: “Boogybytes vol. 1” (Bpitch Control)
10- M.A.N.D.Y.: “At the controls” (Resist)
11- Sascha Funke: “Boogybytes vol. 2” (Bpitch Control)
12- Ángel Molina: “Wax sessions III” (SonarMusic)
13- Michael Mayer: “Immer 2” (Kompakt)
14- Four Tet: “DJ kicks” (¡k7)
15- Henrik Schwarz: “DJ kicks” (¡k7)

Recopilaciones
1- Varios: “Mary Ann Hobbs presents the Warrior dubz” (Planet Mu)
2- Tom Moulton: “A Tom Moulton mix” (Soul Jazz)
3- Ammunition & Blackdown presents… “The roots of dubstep” (Tempa)
4- The DFA: “The DFA Remixes chapter one” / “The DFA Remixes chapter two” (DFA)
5- Varios: “Idols tryout 2” (Ghostly International)
6- Tortoise: “A lazarus taxon” (Thrill Jockey)
7- Varios: “Sacred symbols of Mu” (Planet Mu)
8- Nitzer Ebb: “Body of work” (Mute)
9- AFX: “Chosen lords” (Rephlex)
10- Four Tet: “Remixes” (Domino)
11- Rhythm & Sound: “See mi jah remixes” (Rhythm & Sound)
12- Varios: “min2max” (M_nus)
13- Isolée: “Western store” (Playhouse)
14- Varios: “An anthology of noise & electronic music. 4^th a-chronology 1937-2005” (Sub Rosa)
15- Varios: “Cabinet classics & unreleased” (Plus 8 )

Garnier narra su vida desde su infancia, la oportunidad de viajar y residir en el club Hacienda de Manchester, el primer viaje que hizo a Detroit para conocer la esencia de la ciudad, analiza exhaustivamente la eclosión del fenómeno rave en Francia y todas las anécdotas que le conducen al éxito como dj mundial.

Es un libro que nos permite conocer mejor su obra, lleno de referencias, muy bien documentado, que nos permite entender la historia y la evolución de la música de baile, además de analizar profundamente el estado actual del techno. Diseñado con gráficos, playlists, flyers y entrevistas, amenizan y entretienen al lector.

En esta estupenda cita, la primera figura a entrevistar fue al escritor del libro David Brun Lumbert -gran amigo de Garnier- fue su compañero de trabajo en Radio Nova durante años, periodista y productor de la radio Suisse Romande, a quien le preguntamos:

- ¿Cuál fue el origen de este libro?
David Brun Lumbert: Un día cenando en casa de Laurent con una gran amiga –editora de Flammarion- Laurent empezó a explicar anécdotas muy interesantes sobre sus vivencias en el mundo de los deejays, así que fue ella quien le propuso la idea de escribir sus memorias.

- ¿Cuánto tiempo duró el proceso para la compilación de datos?
D.B.L.: El proceso duró un año aproximadamente, nos reuníamos tres horas al día, analizamos las situaciones, investigamos y viajamos a todos los países donde Laurent había estado.

- ¿Cuál fue el recorrido?
D.B.L.: Estuvimos en Manchester, Barcelona, Detroit.., hablamos con muchísima gente, deejays, productores, promotores, entrevistamos a grandes como Jeff Mills o Mad Mike para analizar en profundidad sobre el pasado y el futuro del techno y poder dar la máxima credibilidad y documentación al libro.

- ¿Qué es lo que más te sorprendió en este viaje?
D.B.L.: El cambio que ha experimentado Detroit a lo largo de estos últimos diez años. No hay resto de vida artística allí; todos los deejays viajaron a Europa. Es una ciudad fantasma, oscura y extrema. La atmósfera es peligrosa y en cualquier momento puede aparecer la policía y cortar la música en un club sin más. Es absurdo.

Poco después apareció bromeando Laurent acompañado de su intérprete y dispuesto a pinchar más tarde en la sala Pachá de Barcelona. Es nuestro turno:

- coincidiendo con tu reciente salida al mercado del recopilatorio Restrospective y ahora tu autobiografía, ¿estas haciendo un resumen de tu vida?
Laurent Garnier: No exactamente. El libro salió en el año 2003, coincidiendo justo con el lanzamiento del recopilatorio “Excess Luggage” (FCom,03). Es esta su banda sonora; sus cinco discos reflejan fidedignamente las experiencias del libro.

- ¿Es una réplica exacta a la edición francesa?
Laurent Garnier: Es exactamente igual, contiene los mismos playlists, gráficos… para que su lectura sea amena y divertida. Quiero que mi libro lo pueda leer cualquiera, mis padres, mis amigos, que llegue a todo el mundo; no es un diccionario ni un libro sobre la historia de la música, es mi propia historia.

- Casi al final de Electroshock, señalas que el techno está estancado, ya han pasado tres año desde su publicación en tu país, ¿aún mantienes la misma postura?
Laurent Garnier: Esta opinión en su momento fue causa de polémica en Francia, no querían reconocer la verdad. Más tarde comprobaron, que efectivamente, el 80% de los sellos cerraban, incluso mi propio sello FCommunications tuvo problemas económicos.

El techno esta en fase de renovación; con el tiempo será posible el cambio, seguro, pero es un proceso muy lento. Se editan discos muy buenos, de muchísima calidad y quiero que esto quede muy claro; pero falta un elemento innovador y requiere su tiempo.

- De todos es sabido que has bajado tu actividad en la cabina, ¿piensas dejar de pinchar?
Laurent Garnier: No, de momento pienso continuar pinchando, a pesar de que tengo otras obligaciones, soy padre de familia, me gusta tocar en directo con mi grupo de jazz y también tuve problemas serios de oído. Me cansé de pinchar en salas grandes y disfruto en aforos más pequeños en los cuales tenga más libertad de movimientos.

Abandonaré cuando no tenga nada que ofrecer, es mi trabajo y con lo que verdaderamente disfruto.

- ¿Buscas innovación en tu música?
Laurent Garnier: No, mi máximo objetivo es disfrutar de lo que hago, Carl Craig si que piensa constantemente en innovar, para mi crear es dejarme llevar. Si lo intentara caería en un trabajo vacío y el resultado no tendría nada que ver conmigo.

- ¿Habrá una segunda parte del libro?
Laurent Garnier: No, no habrá segunda parte, ni siquiera había pensado en que hubiera una primera, fue una propuesta sin más…

Pero aunque el no lo diga, si habrá (aún en fase de escritura) una película inspirada en su libro, lo cual, su vida…

Vinilette especial desde Barcelona

La alarma la dio la noticia de que la policía inglesa había interrumpido en varias fiestas convocadas por internet -con equipos de sonido incluidos en varios camiones- e intervenido grandes cantidades de droga. La noticia inmediatamente saltó a los medios de comunicación, especialmente los tabloides, que volvieron a sacar los temores del acid house, las pastillas de éxtasis y los bailes desencajados y los jóvenes muertos (ellos, que invitan a los hooligans a vacaciones desmadradas de alcohol a las islas mediterráneas). Y con la ley de por medio. Una macrorave de 25.000 personas hizo que se promulgase una ley que prohibía “reuniones de mas de 10 personas escuchando “música” caracterizada por una sucesión de beats repetitivos”. Autentico.

Además de invocar una pretendida lucha contra el consumo de drogas, la ley era también un ataque contra la cultura squat, donde la filosofía rave estaba muy implantada. Por una parte se habla de un aumento del consumo de drogas debido a su precio -barato en comparación con las bebidas por ejemplo- o su fácil adquisición (de hecho el gastrato de oxido, el gas de la risa, es de lo que mas se consume en estas fiestas), pero también de una rebelión contra la cultura de la radio fórmula, el pop-idol, la operación triunfo y también un desafío al conservadurismo político y social.

Y también está Internet, las convocatorias vía mail y el Messenger que permite conocer a mucha gente con la que después citarse en algún punto del bosque. Y por mucho análisis sociológico que pretendamos, hay muchas ganas de divertirse y olvidarse del presente y también del futuro del lunes, de una generación. Noticia vía:  Independient (traducción y adaptación  Hipersonica).

Las primeras composiciones musicales elaboradas electrónicamente a principios del siglo XX eran de naturaleza eminentemente experimental, siempre en busca de nuevas formas sonoras que fueran más allá de lo que permitían instrumentos y metodologías tradicionales. Y, en muchos casos, continúa siendo así. Completamente apartados de la pista de baile, un numerosísimo grupo de músicos utilizan estas nuevas herramientas para confeccionar una música inquieta e investigativa que se dirige a los oídos y no a los pies. La democratización del precio de los ordenadores y la profusión imparable de software musical han propiciado que el número de artistas, sellos y estilos asociados al medio electrónico se hayan multiplicado de forma espectacular durante los últimos años. Sin embargo, gran parte de estas nuevas propuestas permanecen en el anonimato más absoluto. Con unas cifras de ventas reducidísimas y una presencia prácticamente nula en los medios, esta música no consigue sobrepasar los límites de un minoritario círculo de aficionados.

Pero entre todos los problemas que deben afrontan estos músicos hay uno que, tal vez, sea el más grave. Se trata de la dificultad que entraña llevar este tipo de música más allá de los formatos reproductibles para situarla en el ámbito de la actuación en directo. Esta electrónica para no bailar encuentra en la puesta en escena un obstáculo ciertamente difícil de franquear por ser, en esencia, una música acusmática,es decir, una música que se escucha sin poder identificar su fuente. Perdido el componente visual, se desvanece la posibilidad de adaptarse al modelo de espectáculo escenográfico tradicional. No es extraño que el público califique de aburridos algunos de estos conciertos porque, muchas veces, lo único que pueden llevarse a la vista los espectadores es la imagen de un músico sentado frente a la pantalla de su ordenador. Proyecciones de todo tipo o incluso antiguas películas mudas son elementos habituales en este tipo de actuaciones que, a pesar de estos complementos, continúan acusando un problema en el difícil diseño de su escenificación.

Tampoco ayuda a su popularización que los conciertos de este tipo se releguen a unos poquísimos festivales y que apenas tengan lugar fuera de ellos. A diferencia de lo que sucede en otros países, nuestro circuito de clubs y salas apenas acoge actuaciones electrónicas de carácter no bailable. Los hábitos nocturnos del público y, sobre todo, el precio de la entrada, son los dos principales obstáculos con los que se enfrentan los pocos promotores que organizan conciertos electrónicos de este tipo.

La Casa Encendida de Madrid y la sala Apolo en Barcelona son dos de los pocos espacios que incluyen este tipo de propuestas en su programación de forma regular. Inaugurado hace un año aproximadamente, el segundo escenario del club Apolo ha acogido actuaciones de artistas tan destacados como el alemán Frank Bretschneider, que la semana pasada visitó la sala del Poble Sec para presentar su nuevo álbum Rhythm.Bretschneider representa la facción más experimental de esta música electrónica para los oídos. Veterano indiscutible de la vanguardia musical contemporánea, sus magníficos trabajos de sonoridades microscópicas se han editado en sellos como 12k, Raster Noton, Mille Plateaux o Underscan. En directo, la experiencia se intensificó gracias a la cualidades espaciales de su música intensa y envolvente.

También en la sala del club Apolo tienen lugar las actuaciones del ciclo Electrónims, iniciativa del sello spa. RK. Estos encuentros mensuales (programados para el último jueves de cada mes) tienen como protagonistas algunos de los artistas más interesantes de la escena electrónica internacional. Afines al estilo del sello barcelonés que organiza estos conciertos, los músicos invitados abarcan un amplio abanico de estilos que va desde la experimentación hasta las formas más melódicas del la electrónica.

Los próximos invitados a participar en el ciclo Electrónims son el dúo británico ISAN. Construida a partir de delicadas atmósferas ambientales y simplificadísimas melodías, la música que elaboran Robin Saville y Anthony Ryan es un homenaje en clave minimalista a los sonidos de la antigua era analógica. Más próxima a los sonidos de los viejos sintetizadores que a los sofisticados digitalismos de Bretschneider, la de ISAN es una música dulce y colorida, plácida y benévola. Coincidiendo con la publicación de su séptimo álbum Plans Drawn in Pencil, Saville y Ryan actuarón en la sala del club Apolo el pasado 26 de octubre, cuatro años después de su última visita al festival Sónar de Barcelona.

Aprovechando la ocasión, le preguntamos a Robin Saville sobre los problemas que entraña la puesta en escena de esta electrónica no apta para el baile: “Lo cierto es que Anthony y yo hemos tocado en todo tipo de lugares y situaciones. Si tuviera que escoger diría que uno de los mejores contextos para la música de ISAN fue la Galería Hayward de Londres, donde recientemente actuamos rodeados por las obras de Dan Flavin. Fue realmente especial. Es cierto que este tipo de música puede ser problemática sobre un escenario… El uso de visuales es una buena solución, pero a menudo distraen y pueden llegar a perjudicar a la música. Probablemente, la única solución es hacer música que sea suficientemente interesante en sí misma y que no necesite ningún tipo de estimulación adicional. En nuestro caso procuramos hacer variaciones en cada uno de nuestros conciertos, para que todo sea nuevo, tanto para nosotros como para el público”.
Texto: Arnau Horta

No es casual que su página web se llame precisamente For the love of music. Es disc-jockey, músico, compositor, productor discográfico y radiofonista, entre otras muchas cosas, y ahora añade a esas actividades la de escritor. La editorial barcelonesa “Global Rhythm” acaba de editar Electroshock, un libro de tono autobiográfico escrito en colaboración con el periodista David Brun-Lambert.

Electroshock es la primera tentativa literaria de Laurent Garnier. “El primer libro y el último”, afirma el poliédrico artista francés. “Mi vocación literaria ha comenzado y ha acabado aquí. Me gustan los retos, hacer cosas diferentes. Cuando me propusieron hacer el libro me pareció un reto y ahí está, pero no habrá un segundo volumen”.

Garnier (Bologne sur Seine, 1966) narra en lenguaje plano y huyendo de tecnicismos su personal viaje a través de la música electrónica. “No es un libro para irreductibles del techno. No quería hablar para los que ya salen en el libro, sino para el resto del mundo. Quería explicar con palabras sencillas, por ejemplo a mis padres, la historia humana de una pasión, mi pasión por la música, por toda la música, tanto da que sea techno, jazz o salsa. Podría haber sido zapatero y tener la misma pasión por los zapatos, pero en este caso se trata de pasión por la música”.

A lo largo de toda la conversación Garnier elude siempre que puede la palabra techno, habla de música y lo enfatiza. “Lo que más me disgusta es que digan que Garnier es un disc-jockey techno. Nada más lejos de la verdad. Me gusta esa música y la defiendo, pero cuando pincho o actúo con mis músicos hay siempre un poco de todo. No me gusta ir en una dirección concreta. Estoy allí para explicar una historia y para sorprender al público, y sólo puedo sorprender si me sorprendo a mí mismo. Mi trabajo es hacer bailar a la gente, pero no puedes hacer las mismas cosas cada noche, tienes que arriesgarte, saber atrapar el momento y arriesgar. Conozco pinchadiscos que ponen cada noche los mismos discos en el mismo orden; no lo entiendo, porque lo que funciona ahora puede no funcionar dentro de media hora en el mismo lugar. Has de atrapar el momento y actuar siempre con lógica. Si estas en un club de rock no puedes pasar de Beatles a Sex Pistols de repente”.

Garnier pincha rock, soul, jazz, funky o reggae con la misma soltura con la que recurre al drum’n'bass, al techno o a los sonidos industriales. “El panorama está cambiando. No creo que simplemente sea ahora más amplio que hace 10 años, pero hay nuevas generaciones que quieren oír otras cosas, rock por ejemplo. Hace 10 años sólo sonaba techno, pero para esos jóvenes el techno ya es la música de papá. Tampoco nos engañemos: en el campo del rock hay muy buenos grupos que hacen grandes cosas, pero tampoco sale nada nuevo. El único grupo futurista es Radiohead”.

Laurent Garneir se mueve constantemente, cada frase que sale de su boca se acompaña del consiguiente movimiento acompasado, como si bailara al ritmo de sus propias palabras. “Me gusta el baile, ¡claro! No podría contagiar una fiebre si yo no la tuviera. No comprendo a esos disc-jockeys que están pinchando y ni se mueven. Igual sucede con toda esa nueva generación de jóvenes que hacen electrónica en directo y, sin moverse, no quitan la mirada de la pantalla y la mano del ratón. ¡No hacen música, como mucho escriben e-mails!”.
Además de pinchadiscos, Garnier es compositor y dirige una banda en directo con electrónica, músicos y bailarines. “En el escenario busco siempre lo inesperado. Detesto a esos grupos que hacen canciones de tres minutos clavadas al disco. Yo quiero que cada momento sea único, compartir con el público el placer de vivir un momento único. Por esa razón utilizo músicos de jazz, porque improvisan y están siempre preparados para cualquier cosa”.

En su libro Laurent Garnier vierte frases elogiosas sobre el festival Sónar y no olvida cuando actuó en su primera edición. “Allí aprendí a decir ‘de puta madre’ [lo repite en castellano]. Había poca gente, pero muy entusiasta, con ojos como platos, que repetían: ‘No sé qué es esto, pero es de puta madre’. Fue el comienzo de la cultura techno en España. El Sónar convenció a las instituciones de que el techno era una parte esencial del arte contemporáneo, algo impensable en Francia o Inglaterra”.
Texto:Mikel Jurado

Este crítico ingles, salvo círculos concretos de personas, no era muy conocido en España pero en su país representaba toda una institución. John Peel (de verdadero nombre John Robert Parker Ravenscroft) nació el 30 de agosto de 1939 en un pueblo cercano a Liverpool llamado Heswall. Tuvo la precoz suerte de conocer la música de Evil, que pasaría a ser una de sus grandes influencias a lo largo de su vida.

Tras una etapa en la que sirvió en el ejército de su Majestad a finales de los años 50, emigró a los Estados Unidos donde comenzaría una fructífera relación armoniosa con la música y la radio. Ahí empezara a trabajar de forma estable para la emisora WRR de Dallas.

Decidió volver a Inglaterra en 1967, es entonces cuando se incorpora a Radio London, una famosa emisora pirata. Esta emisora al cabo del tiempo fue absorbida por Radio 1, canal pop de reciente creación de la BBC. Su carrera profesional quedo ligada de esta manera a dicha emisora hasta su momento póstumo.

Sus programas eran de un exquisito eclecticismo dando cabida a una diversidad de estilos que cohabitaban de manera natural y sorprendente en su espacio radiofónico. Pinchando siempre las canciones completamente de principio a fin emanaba el indie más turbulento, piezas de jazz de los años 30, reggae, death metal, música electrónica, swing, bebop o el folk más interesante de los últimos tiempos. Su labor fue decisiva en el impulso inicial de las carreras de Marc Bolan o David Bowie. Pero también apostó de corazón por el punk de los Sex Pistols, The Clash, Joy Division, The Undertones o The Buzzocks. En resumen, la música más interesante del ultimo siglo como masa aglutinante. Todo ello era hilvanado con unos poderosos comentarios. Su voz grave, seca, rotunda y embriagadora despedía unos comentarios chispeantes, para nada previsibles, que mantenían a los seguidores con la oreja pegada al transistor. Sus historias y anécdotas, que muy ocasionalmente invadían sus comentarios musicales, eran sencillamente geniales

Su torpeza en el uso de aparatos era clara, con una monumental falta de habilidad en el manejo de tecnología, lo que confería a su programa un aroma y una atmósfera de amateurismo que aun lo hacían más cercano y entrañable para el radioyente. Es digno de mencionar que con frecuencia erraba la velocidad de los singles, se equivocaba con canciones y artistas y daba paso a las noticias en momentos inadecuados, entre otros muchos líos que realizaba en directo.

John Peel era una persona respetuosa, calida, irónica, exenta de vanidad y de extravagancia. De un descomunal conocimiento musical y fluidez verbal sorprendente. Hombre de gran criterio, tuvo el valor de defender incansablemente el talento emergente y la música en la que creía dentro de la BBC, influyendo inconscientemente en el devenir musical de nuestra cultura occidental.
Texto: José Luís Oliva (para www.sufmart.com)

Ángel reconoce que empezó a aficionarse a la electrónica gracias a Depeche Mode, y tal vez por eso tiene un gusto ecléctico y nada elitista. “No estoy en contra de que la electrónica sea masiva. Me molestan los prejuicios de los puristas. Todo el mundo tiene derecho a disfrutar”. Para demostrarlo, pincha un par de veces al año en el Space de Ibiza. “Nunca he criticado la isla a nivel diversión. Otra cosa es que a mí me guste o no me guste. Pasarme diez horas en una discoteca, colocarme y acabar a las doce del mediodía, todo eso no va conmigo. Musicalmente, hasta hace tres años, Ibiza estaba en la onda del house aburrido, pero ahora es más receptiva a la parte más sintética de la electrónica, al minimalismo. Las fiestas de Richie Hawtin o Ricardo Villalobos han conseguido cuajar un estilo que hasta hace unos años estaba prohibido allí”.

De todas formas, no es de los que creen que el minimal techno y el electrohouse son los estilos donde está la creatividad ahora mismo. “El minimalismo, que siempre ha tenido que ver con la parte más arriesgada y, digamos, experimental del techno, está en el momento más aburrido de su historia. En este momento, cuando un DJ quiere demostrar que está a la última, pincha minimal o electrohouse, o una mezcla de ambas cosas. A mí, en general, no me parece demasiado interesante”.

Ángel cita un disco de pop electrónico, el ‘Silent shout’ de The Knife, y las remezclas de sus singles como lo que más le ha gustado últimamente. “No intento generalizar ni quedarme con un estilo concreto. Me sigue gustando mucho Wagon Reparir, el sello de Mathew Jonson, pero desde hace unos años es mejor hablar de artistas o discos concretos, porque cuando un determinado estilo triunfa, todos tiran por ahí para vender. Con lo cual, el resultado es que se copia mucho y se innova poco”.